di Valentyna Bilan

«Attraverso l'arte, dico al mondo che l'Ucraina non è un conflitto locale». La diplomazia culturale ucraina in azione durante la guerra. Lo scultore Oleksandr Lidahovskyi, noto agli abitanti di Kiev per le sue sculture nel Parco Shevchenko, a Pechersk e in Landscape Alley, continua a creare anche in guerra guerra. Nonostante il suo studio e tutti i suoi beni siano stati distrutti da una granata russa, ha trovato la forza di andare avanti e di lavorare nelle sedi artistiche più prestigiose del mondo, rappresentando in modo incisivo la cultura ucraina. Il suo talento artistico è stato molto apprezzato e, prescelto tra centinaia di partecipanti, è stato invitato alla Biennale di Lucca Cartasia (Lucca, Italia). Attualmente Lidahovskyi sta lavorando a una scultura in acciaio in Inghilterra e ha in programma di parlare della guerra in Ucraina con il linguaggio dell'arte, sia in Gran Bretagna che in Europa. Di questo converseremo nella nostra intervista.

- Oleksandr, ci parli del suo progetto alla Biennale Cartasia di Lucca, dopo un mese di duro lavoro nel caldo afoso dell’Italia. Come hanno valutato il tuo lavoro i tuoi colleghi e ammiratori?

«È stata una performance di successo sul palcoscenico internazionale. Partecipare a questo festival è stato per me motivo di grande soddisfazione perché il mio progetto è stato selezionato tra 500 artisti di alto livello. Sono felice che i miei colleghi e gli appassionati di scultura abbiano apprezzato molto il mio lavoro. Credo di aver fatto qualcosa che nessun altro abbia fatto, sia in termini di tecnica che di visualizzazione dell'idea. È un'opera molto significativa e importante per me. Ho avuto un mese di tempo per realizzare la scultura. È bello che, E mentre lavoravo era bello vedere persone che di tanto in tanto cercavano di affacciarsi al padiglione per osservare il processo di lavorazione ed esprimere le loro impressioni positive. L'ho percepito molto bene. Anche quando tornavo a casa la sera dopo una dura giornata di lavoro, le persone mi fermavano e mi esprimevano la loro ammirazione».

- Cosa l'ha ispirata a creare la scultura “Il volo della rondine”?

«Ogni artista è un creatore. E anche se non vive in Ucraina, è profondamente influenzato da ciò che sta avvenendo nel mio paese. Il tema della Biennale rifletteva il presente, il futuro e il passato. Ho cercato di incarnare un'idea che mostrasse letteralmente la nostra caratteristica ucraina: l'apertura al futuro. In Occidente, credo, le persone sono bloccate nell'eterno presente postmoderno. Hanno paura del futuro. Ma noi non abbiamo più nulla da temere, perché siamo in guerra e non c'è nulla di più vecchio della guerra. Riponiamo tutte le nostre speranze nel futuro. L'immagine della scultura è multistrato, riflette tutti questi aspetti nei suoi 5 metri».

- In che modo “Il volo della rondine” è un progetto personale per lei?  

«È vero, “Il volo della rondine” è un'opera molto personale per me. I miei pensieri sul qui e ora sono incarnati in questa scultura. Qualche tempo prima sentivo che stava arrivando la guerra - che mi ha portato via non solo il presente e il futuro, ma anche il passato – ma non condividevo questa paura collettiva del futuro. La mia scultura è una ragazza in piedi, in posizione di rondine, che guarda in avanti. Uno dei suoi piedi è nel passato, l'altro nel presente e le sue braccia accolgono l'orizzonte quasi fosse il confine tra passato e futuro. Dal basso, la figura alta cinque metri sembra una croce: è la nostra crocifissione in questo eterno e presente. Si tratta dei limiti del vecchio mondo, della necessità di rinascita e trasformazione. E il futuro è già alle nostre porte. Nelle nostre opere si parla solo di noi, di quello che sta accadendo in Ucraina: è così che noi artisti ci mostriamo al mondo. Quindi, con le nostre opere, ci mostriamo non come poveri, rifugiati, vittime, ma come persone attive che continuano a lavorare nonostante tutte le difficoltà che devono affrontare».

- Il suo laboratorio è stato distrutto all'inizio della guerra. Come ha influito questo tragico incidente sul suo lavoro?

«È stato un duro colpo. Tutti i miei lavori, gli strumenti, i materiali, tutto è andato distrutto. All'inizio fu uno shock ed ero disperato, ma poi capii che dovevo andare avanti. L'emigrazione è diventata per me una seconda vita, la perdita una sorta di purificazione. Ho capito che potevo ricominciare tutto da capo, recuperare e creare qualcosa di nuovo. Questo processo di rinascita è molto importante per me come artista. Mi ha permesso di ripensare i miei valori e il mio approccio alla creatività».

- Come ha influito il trasferimento a Londra sulla sua vita e sulla sua carriera?

«Trasferirmi a Londra è stata una decisione forzata, ma la mia famiglia – mia moglie Dasha Nepochatova e la figlia - si è adattata al nuovo ambiente. Questa città mi ha offerto nuove opportunità di sviluppo e di cooperazione. Ho potuto lavorare con nuovi materiali e ampliare i miei orizzonti. Sono stato eletto membro onorario della Royal Society of British Artists. È stato un grande riconoscimento per me come artista, soprattutto in un momento così difficile. Sono stato piacevolmente sorpreso dal fatto che il mio riconoscimento sia stato ampiamente pubblicizzato dalla stampa britannica (The Guardian, The Times, The Independent e più di 900 altre pubblicazioni britanniche)».
 

-  Come possono gli artisti parlare della guerra in Ucraina sulle piattaforme internazionali e mantenere la guerra al centro dell'attenzione internazionale?

«Per gli artisti che vivono all'estero, il loro lavoro riflette la specificità del fatto che la guerra in Ucraina colpisce ognuno di noi. Quando sentivo parlare della guerra da giovane, non riguardava tutti come oggi. Era tutto molto lontano. Quando ti trovi nel mainstream culturale dell'Europa, quando sei visibile e comunichi su piattaforme internazionali, quando sei in dialogo con il mondo, allora crei delle situazioni concrete con il tuo lavoro. Non si tratta di qualcuno che viene bombardato a Kiev, ma dei miei due figli, di mia nipote, della mia famiglia, dei miei conoscenti e amici. Ho sempre creduto che l'arte dovesse trascendere le nazionalità e i confini. Questo premio è stato la conferma che il mio lavoro risuona con le persone di tutto il mondo e mi ha dato una motivazione in più per continuare a lavorare e creare nuovi progetti. Ho quindi presentato le mie opere in numerose mostre internazionali, tra cui il London Winter Sculpture Park».
 

- Può parlarci dei suoi progetti e della sua missione di lavorare nel campo della diplomazia culturale nel Regno Unito?

«Attualmente sto preparando una scultura in acciaio a Great Yarmouth, in Inghilterra. Questa scultura fa eco alla mia opera omonima a Pechersk, a Kiev. Si tratta di una figura in acciaio alta sette metri, chiamata il Funambolo, che simboleggia l'equilibrio instabile nella vita di ogni persona. La funambola cammina sempre su una linea sottile, mantenendo l'equilibrio con concentrazione. Questa immagine riflette bene la realtà moderna in cui tutti cerchiamo di trovare stabilità e fiducia nel futuro».
 

- Lei è noto per le sue opere realizzate con diversi materiali, tra cui carta, acciaio e bronzo. Come sceglie il materiale per le sue opere e come influenza il suo processo creativo?

«Il materiale è sempre stato una parte importante del mio processo creativo. Ho iniziato con la scultura su carta. Non avevo la possibilità di acquistare materiali e strumenti, non avevo un laboratorio. Quello che potevo permettermi - un tavolo, un foglio di carta, un coltello e della colla - era il minimo indispensabile. Anche quando ho avuto l'opportunità di lavorare con il bronzo e l'acciaio, ho iniziato con modelli di carta. La carta è un materiale economico e flessibile che permette di sperimentare e realizzare rapidamente le idee. L'acciaio e il bronzo offrono maggiori opportunità per progetti su larga scala e consentono di creare opere in grado di resistere agli effetti dell'ambiente. La scelta del materiale dipende dall'idea che voglio trasmettere. Ogni materiale ha le sue caratteristiche e le sue possibilità, ed è sempre un processo entusiasmante trovare nuovi modi per utilizzarli».

- Ci parli del suo nuovo progetto, Horsemen of the Apocalypse. Cosa l'ha ispirata in questa idea?

«L'idea del progetto Horsemen of the Apocalypse è nata come reazione alla guerra in Ucraina. I testi biblici spesso trasmettono alcuni algoritmi basati sull'identificazione e la comprensione di relazioni di causa ed effetto. Questi algoritmi, incarnati sotto forma di metafore, hanno descritto e continuano a descrivere la nostra realtà, le sue tendenze e la sua logica interna. I Cavalieri dell'Apocalisse sono allegorie di peste, guerra, carestia e morte. Questa metafora fa rima con gli eventi mondiali degli ultimi anni in modo strano, rivelando alcune direzioni e sequenze di sviluppo di questi eventi. La guerra in Ucraina, che il mondo percepisce ancora inerzialmente come locale, è in realtà l'inizio di un processo che si sta sviluppando in modo molto più rapido. “Horsemen of the Apocalypse” è concepito come una sorta di progetto trasversale, un messaggio virale, come una linea di una spirale semantica che si avvita nella realtà contemporanea. Sarà una scultura con un messaggio di avvertimento virale, che mostrerà gli algoritmi storici degli eventi che stanno accadendo agli ucraini nel linguaggio della plastica. Il significato di quest'opera è che collega i nostri eventi in Ucraina con il mondo. Il processo di negoziazione è in corso e presenteremo la scultura in spazi pubblici in Gran Bretagna e in Europa. Ricorderà ai Paesi democratici le conseguenze che possono verificarsi se non rinsaviscono in tempo e non sostengono l'Ucraina».